Presse

Pressetext

Mélissa Laveaux ist so widerstrebend und querköpfig, dass ihre Musik sich einer Kategorisierung von vornherein verweigert. Ihren außergewöhnlich rhythmischen Stil entwickelte die Tochter von Haiti-Immigranten bereits während ihrer Kindheit, als sie sich selbst das Klavier- und Gitarrespielen beibrachte. Als Orientierung dienten ihr große Vorbilder wie Tracy Chapman, Nina Simone oder die Fugees sowie Inspirationen aus ihrem Leben und ein unerklärlich tiefgreifendes Gespür für die Musik. All diese Einflüsse mischt sie mit einer naiven und instinktiven Brillanz. Würde man versuchen, ihren unangepassten, changierenden Stil in Worte zu fassen, so würde man ihn wahrscheinlich als eine Mischung aus Folk, Blues, Roots und Indie-Rock beschreiben. Ihre Songs erzählen von intimsten Geschichten und freien Träumen. Gespickt wird diese aufregende, sich jedoch so perfekt ergänzende Mischung mit Mélissas haitianischem Erbe: Auf Kreol interpretiert sie traditionelle Lieder neu, die älter sind, als dass man sich an ihre Entstehung erinnern könnte. Am meisten ähnelt ihr Stil wohl einem Patchwork, bei dem sie sich überkreuzende Identitäten in einem Zusammenspiel ungewöhnlicher Muster in ein Ganzes überführt.

„Mal lasziv und verführerisch, mal sensibel und tiefgründig, mal trotzig, stolz und ungehorsam spielt Laveaux mit ihrem stimmlichen Ausdruck, als wäre es die leichteste Übung dieser Welt.“ –  Kai Kopp, laut.de

Karibische Voodoo-Melodien, 70er-Jahre-Blues, rauschende Riffs, gesättigte E-Gitarren und eine kraftvolle wie raue Stimme – Moonlights Musik ist so ambivalent und berauschend wie faszinierend. Geboren und aufgewachsen in Haiti, verbrachte sie ihre Kindheit bei einem Priester, der sie großzog und an christliche Kirchenlieder heranführte. Schnell emanzipierte sie sich jedoch von dieser Musikrichtung und begann, ihren eigenständigen Musikstil zu entdecken. Geprägt wurde sie dabei in den ersten Jahren von Rockmusik und dem haitianischen Voodoo-Kult. Mit 31 zog sie nach Frankreich, um Jazzmusik zu studieren. Aus diesen vielfältigen, auf den ersten Blick asymmetrischen Einflüssen erwuchs die Voodoo-Priesterin Moonlight Benjamin. Ihre Musik lässt sich nicht von Genregrenzen einfassen, ist sowohl experimentell wie traditionell, ungewöhnlich und aufreibend als auch in sich homogen und fesselnd. Moonlights Lieder entspringen den Tiefen ihres Herzens, ihrer Liebe zu Haiti und ihren kreolischen Wurzeln.

Freuen Sie sich mit uns auf eine mitreißende wie berauschende Eröffnung – auf zwei Frauen, die mit ihrem haitianischen Erbe ihre eigenständige, musikalische Welt begründet haben!

„This has been a great year for Haitian music, thanks to new albums from RAM and Mélissa Laveaux, and a memorable double bill by Laveaux and Leyla McCalla at the London jazz festival. Now comes Benjamin, an artist with an intriguing history. (…) she is both a voodoo priestess and a powerful singer-songwriter with an impressive vocal range. Benjamin sounds thrilling, thoughtful and, at times, downright spooky. Title track Siltane is one of the songs of the year.” – Robin Denselow, The Guardian

So verschieden wie die kulturellen Herkünfte der Musiker, so vielfältig sind auch die musikalischen Einflüsse, aus denen sich die Stücke der Fanfaraï Big Band speisen. Dabei verbindet die 12 Multi-Instrumentalisten ein Bekenntnis: „Raï is not dead“! Der Raï, eine urbane Volksmusik mit Wurzeln in Westalgerien und Ostmarokko, wurde lange Zeit aufgrund seiner kritischen Texte und Popularität von der algerischen Regierung verboten. Zahlreiche bedeutende Künstler*innen wie Cheb Mami gingen ins Exil. Fanfaraï stehen für eine neue Generation des Raï: Schelmisch und ungestüm begegnen sie den jahrhundertealten Rhythmen. Algerische Straßenmusik kollidiert mit Big-Band-Jazz und traditionellen Gesängen und kreiert einen ganz eigenen verlockenden Sound. Die Musik von Fanfaraï ist tanzbar, von Lebensfreude erfüllt, eine Liebeserklärung an die musikalische Tradition Nordafrikas!

„Die urafrikanische Kulturtechnik des Remix – hier beschert sie dem Raï eine neue Saison, mindestens.“ – Jonathan Fischer, Süddeutsche Zeitung

Zwei Welten, zwei Flügel, zwei Virtuosen ihres Faches: Aeham Ahmad und Edgar Knecht öffnen mit ihren besonderen Konzerten die Tür zu einer außergewöhnlichen, grenzenlosen Jazz-Welt.

Weltweite Bekanntheit erlangte Aeham Ahmad als „Pianist in den Trümmern“. Als palästinensischer Geflüchteter wuchs er im Flüchtlingslager Jarmuk in Damaskus auf, wo er während des syrischen Bürgerkriegs in den Ruinen der zerstörten Stadt Klavier spielte und sang. Seine Auftritte veröffentlichte er im Internet und erlangte so schnell internationale Aufmerksamkeit. 2015 floh er nach Deutschland, wo er mittlerweile mit seiner Familie lebt. Als erstem Preisträger wurde ihm der „Internationale Beethovenpreis für Menschenrechte, Frieden, Freiheit, Armutsbekämpfung und Inklusion“ für sein Engagement und seine musikalische Virtuosität verliehen. Edgar Knecht ist einer der originellsten Jazz-Musiker Deutschlands und kreativer Interpret deutscher Volkslieder. Von Kritiker*innen und Publikum gefeiert, verbindet der Komponist und Pianist verschiedene Musikstile mit tiefer Empathie. Angestaubten Volksmelodien verleiht er neuen Glanz und emotionale Strahlkraft!

Die beiden Musiker lernten sich in Deutschland kennen. Fasziniert von der Musik des jeweils anderen entwickelten sich eine Freundschaft und eine gemeinsame musikalische Karriere. Seit 2017 spielen Aeham Ahmad und Edgar Knecht im Quartett mit dem Kontrabassisten Rolf Denecke und dem Schlagzeuger Tobias Schulte: Jazz und Latin verbinden sich mit arabischen Rhythmen zu mitreißenden Kompositionen! Das gemeinsame Album „Keys to Friendship“ erschien im selben Jahr. 2017 wurde ihr virtuoses, hoch emotionales Spiel außerdem mit dem creole F3STIVAL-Preis prämiert.

„Ein Statement für Demokratie, Menschenrechte und Frieden. Selten hat man einen Appell an die Menschlichkeit so entspannt, swingend, groovend vernommen.“ – NRZ

„Schon jetzt das bewegendste Konzert des Jahres – auch musikalisch herausragend. Zu schade für nur eine Aufführung.“ – Maja Yüce, HNA.de

„Ein Album, das von der Kraft und der Wirkungsmöglichkeit der Musik lebt – weit über deren Grenzen hinaus.“ – Jazzpodium

Dieses Duoprojekt vereint mit dem Kontrabassisten Renaud Garcia-Fons und dem Flamencopianisten Dorantes zwei der ganz großen Instrumentalisten unserer Zeit und ihre Liebe zu Flamenco und Jazz.

Der Franzose Garcia-Fons zählt heute zu den begnadetsten Kontrabassisten der Moderne. Weltweite Bekanntheit erlangte er durch die innovative wie inspirierende Art, seinen Kontrabass zu bespielen: Mit einer fünften Seite befreite er den Kontrabass endgültig aus der Rolle als Begleitinstrument und machte ihn stattdessen zu einer der improvisierenden Stimmen des Ensembles. Zugleich kombiniert er eine virtuose Zupf- und Bogentechnik und nutzt sein Instrument perkussiv. Stilistisch changiert er zwischen den Einflüssen der Weltmusik und des Jazz, wobei er sich und seiner Musik die Freiheit lässt, sich immerzu neu zu erfinden. Auch der spanische Pianist Dorantes begegnet den Grenzen seines Instruments und einer ganzen musikalischen Welt mit Innovationsgeist und Leidenschaft – und überschreitet sie letztendlich. Die Kritiker*innen sprechen von Dorantes als Vorreiter einer neuen Richtung des Flamenco – herausfordernd, innovativ, verführerisch, ohne jemals die eigentlichen Wurzeln dieser Musikrichtung zu vergessen.

Bei MASALA präsentieren die beiden ein grenzüberschreitendes Zusammenspiel, das an Virtuosität seinesgleichen sucht!

„Eine musikalische Sternstunde voller Magie.“ – Andreas Collet, Badische Zeitung

„Dorantes spielt die Seele des Klaviers, kennt sie, weiß, wie er sie zum Klingen bringt. Ein Genie.“ –  Mirta Alonso, Lune del Olivar (Argentina)

„Wir kannten bereits die Kraft und Lyrik von Renaud Garcia-Fons‘ Musik und heute entdecken wir ihren universellen und zeitlosen Charakter.“ – Denis Desassis, Citizen Jazz

“AYOM” ist ein musikalisches Projekt der brasilianischen Band Forró Miór und der Singer-Songwriterin und Perkussionistin Jabu Morales. Die in Barcelona und Lissabon lebenden Musiker*innen haben die Wurzeln ihrer Musik mit über den Ozean gebracht. Sie verbinden traditionelle brasilianische Rhythmen mit Afro-Latin und dem melodischen Sound des Mittelmeers. Ihre Zuhörer*innen überraschen sie mit ihrer verspielten und äußerst kreativen Art, verschiedene Musikstile zu mixen: Forró, Samba, Maracata, Carimbó, Ijexá und Cumbia, Calypso, Merengue, Funaná, Guaguancó verschmelzen zu einem sommerlich-frischen Sound. Dabei wird die bezaubernde Sängerin von dem Klang von Akkordeon, Gitarre, Zabumba, Perkussion und Triangel begleitet.

Rebel Babel ist ein einzigartiges internationales, mehrsprachiges Orchester, das traditionelle Blasmusik mit Big-Band-Sound verbindet und weltweit mit Künstler*innen der Hip-Hop-, Funk- und Elektroszene zusammenarbeitet. Es ist ein ständig wechselndes Ensemble, das von dem bekannten polnischen MC und Performer L.U.C. und dem dänischen Komponisten John Feat. geleitet wird. Ihren Namen haben sie vom Turm von Babel abgeleitet: Mit ihren Projekten schaffen sie einen interkulturellen Dialog, der Musiker*innen zusammenbringt und Kulturen und Stile vermischt.
Dieses Jahr tritt Rebel Babel in einen Dialog mit einer 20-köpfigen Brassband aus Hannover-Linden. Die Königliche Braut – eine Symbiose aus Virtuosen und musikalischen Grobianen – verlässt gern immer wieder ihre polkalastige Komfortzone in alle musikalischen Richtungen, kehrt aber zuverlässig, laut und umso schneller wieder in den Schoß ihrer blas-musikalischen Heimat zurück. Egal wo, was und wann – immer mit Leidenschaft und Spaß!

“Rain or shine, this sick polka/balkan combo kept the spirits high at all times. Epic tunes!” – Königliche Braut

Begegnet sind sich The Turbans irgendwo auf der Welt – auf den ineinander verschlungenen Reisewegen einer Vielzahl unterschiedlicher, talentierter Musiker*innen – sei es an einem Strand im indischen Goa, auf einer Straße in Istanbul, einem Festival in Hongkong, in Berlin oder London. The Turbans sind ein internationales Kollektiv, ohne externes Music-Biz-Management, in dessen Musik sich die verschiedenen kulturellen Wurzeln seiner Mitglieder widerspiegeln: Traditionelle Melodien aus Osteuropa und dem Nahen Osten treffen auf inspirierte Kompositionen und moderne Rhythmen. Sie verbinden lebendige Spontanität und Authentizität mit Genre übergreifenden, instrumentalen und gesanglichen Ausnahmefähigkeiten und Virtuosität. Die Musiker*innen befinden sich dabei auf einer ständigen Reise durch die Kulturen und verschiedenen Musikstile dieser Welt.

Diese Vielfalt leben sie auch während ihrer Live-Shows aus: Ein Abend mit The Turbans ist ein wildes, buntes Abenteuer. Ihre Message an das Publikum: „We’ve created The Turbans, now all you have to do is dance.”